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Un nuevo tiempo para soñar

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Vendemos sueños. Esta frase, que se ha dicho y repetido tantas veces, es tan real.

Por un momento, podemos pensar que somos parte de un ambiente de negocios profesional, frío y calculador, y nos esforzamos en desempeñar nuestro papel de forma aplicada y muy seria.
¡No sólo somos ejecutivos! Hacemos lo que nos gusta. Lidiamos con música. ¿Qué puede ser más gratificante que eso?

Queremos reconocimiento y buscamos satisfacción profesional. Pero somos esencialmente afortunados por convivir en este mercado. Siendo o no artista o músico, somos parte de un engranaje que mueve el alma. Tan importante como el aire, la música calma, acelera, perturba, nos toca. Se hace presente en los momentos de alegría, dolor y nostalgia. Es decir, es parte de cada uno, lenguaje universal ya aceptado por todos.

Hemos evolucionado como mercado y buscamos crear un ambiente propicio para atraer a más y más colegas. Hemos perseguido el ideal de unión que la música nos enseña. Dejando de lado egocentrismos y creencias, actitudes y reacciones, impresiones y decisiones. Sin embargo, no conseguimos dejar de lado la ambigüedad de siempre tener razón. Nuestro medio ambiente es creado sin autocrítica y sin noción de la responsabilidad cultural y social que desempeñamos. Y de la fuerza que eso tiene junto a aquellos para los cuales vendemos. Esto nos llevó a una paradoja dimensional que resulta en negocios cada vez más fríos y distantes del consumidor.

¿Recuerdan cuando las tiendas (¡sí, las tiendas!) promovían pocket shows en la calle o en galerías con sus clientes artistas? ¿Qué vemos hoy? Pequeñas concentraciones de músicos dentro de la tienda queriendo mostrar que saben tocar y sorprender a la clientela para la tienda de al lado. ¿Dónde está el sentido común de que debemos promover la música, pues entendemos que éste es el único elemento vital a nuestro mercado, y que, sin música, este mercado simplemente sería un viaje lisérgico de algún soñador?

¿Ya imaginaron al ser humano sin el sentido de la audición? ¿Serían solamente las vibraciones que llamaríamos música? Y aún así haríamos música sensorial moviendo cosas de acá y para allá. Porque somos así, curiosos, descubridores, inquietos.

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Un mercado barato

Pero así continuamos intentando dejar por último el eslabón principal de la corriente: el músico, nuestro cliente final. Dejamos de traer productos porque “son caros” (como si Ferrari, Mercedes, BMW simplemente dejaran de ofrecer sus productos top en el mercado porque no deben tener a nadie para comprarlos). Insistimos en ofrecer cosas de calidad inferior, pues lo que importa para el músico es el precio. Lo que me lleva a otra pregunta: ¿y la música? ¿Su calidad? ¿Queda relevada a un papel secundario? ¿Entonces vamos a oír porquerías porque es más barato? ¿Vamos a escuchar a una persona que se agota en un micrófono de pésima calidad porque es más barato? ¿O mejor, dejar de oír a un buen bajista pues su sonido se baraja en un sistema de primer precio porque es más barato?
– ¡Olvida al bajista! ¡Que haga el bajo en el teclado! (Risas)
– ¡Olvida al baterista! ¡Que lo haga en la computadora!
Y así seguimos hacia lo que no deseamos. Un mercado barato.

Mientras tanto, nuestro consumidor va hasta donde sea para cambiar nuestra opinión. Y los expertos aparecen, y se quejan de la frontera, y se quejan de los que no siguen la unión del mercado.

Los dejo con una pregunta: ¿alguien se acuerda de la década de 1990? Se trataba de cosas baratas, pero los instrumentos que más se vendían eran aquellos de calidad (no los más caros, los más adecuados y aquellos ofrecidos como buenos y no como los más baratos). Buenos tiempos, de tiendas influyentes, con vendedores capacitados y decididos a vender cosas buenas. ¡Buenos tiempos!

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Joey Gross Brown es gerente comercial y puede ser contactado via Linkedin.

Gestión

Live Marketing: ¿Cómo conectar tu marca con la Generación Z?

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La forma en que el público joven interactúa con sus marcas favoritas requiere acciones personalizadas y menos genéricas.

La dinámica del mercado cambia constantemente y exige que las marcas se adapten a nuevas audiencias y tendencias. Las nuevas generaciones representan una fuerza enorme en el mercado que, combinada con expectativas únicas, presiona a las empresas para que establezcan conexiones y diálogos con los jóvenes para poder prosperar.

Los jóvenes nacidos entre 1998 y 2010, integrantes de la “Generación Z”, son conocidos por ser “nativos digitales”, es decir, aquellos que nacieron compartiendo su atención con internet. Además, se caracterizan por su agudo sentido crítico. Son exigentes, valoran la autenticidad y buscan experiencias inclusivas y diversas.

Según los resultados de la encuesta Global Marketing Trends 2022, realizada por Deloitte, el 94% de los consumidores entre 18 y 25 años expresaron el deseo de que las empresas entablen debates sobre temas sociales. Además, el 57% de los consumidores mostró fidelidad a empresas que se preocupan por estos temas. Para ellos la identidad y el posicionamiento proveniente de las marcas son indispensables, ya que buscan conectarse emocionalmente con marcas que se alineen con su estilo de vida, promuevan experiencias y tengan una misión, visión y valores bien definidos.

“Hoy podemos decir que la Generación Z tiene una conexión especial con el live marketing, este grupo valora las relaciones con las marcas de una manera diferente. Es importante que las marcas orienten sus productos y servicios y estén presentes en los más diversos ambientes ocupados por jóvenes, adaptándose a las demandas y particularidades presentadas por ese público objetivo”, sostiene la gerente de marketing de Alive Brand, Bruna Alves.

En la práctica, el live marketing es una forma de captar la atención de tu audiencia interactuando de forma creativa, permitiendo a los participantes tener una experiencia directa con la marca. También es posible incluir interacciones en las que el público tenga la posibilidad de probar productos, ofrecer feedback en tiempo real, participar en sorteos o concursos.

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Entre las marcas favoritas de la Generación Z, encabezan aquellas que establecen una fuerte presencia en su vida diaria, promueven valores coherentes con sus creencias, ofrecen experiencias personalizadas y auténticas y demuestran un compromiso genuino.

Para Bruna, “las marcas que dominan esta estrategia saben que no se trata sólo de promocionar un producto. Se trata de alinearse con los jóvenes y su comportamiento de consumo. Quieren sentirse parte de algo más grande”. De esta manera, sostiene que los eventos están diseñados para ser más que presentaciones, sino grandes espacios de interacción.

Más que nada, el live marketing brinda experiencias únicas y, asociado a una identidad de marca que se combina con los valores y aspiraciones de la Generación Z, establece una relación sólida. Eso es exactamente lo que están buscando.

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instrumentos musicales

ddrum anuncia colaboración con Bengt Lilja para nuevo módulo

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ddrum anuncia la tan esperada colaboración con la leyenda de la industria el diseñador Bengt Lilja. 

Esta colaboración renovada promete traer un sistema de batería electrónica ddrum5 versátil y rico en funciones para continuar el trabajo de la marca en la batería digital.

Bengt Lilja contribuyó en gran medida al desarrollo del modelo ddrum4 a principios de 1990. Al igual que con todos los demás módulos en los que ha participado, su enfoque vanguardista de la tecnología y el instrumento sigue siendo incomparable y ya está generando entusiasmo anticipado.

Más que una simple actualización de los modelos anteriores, ddrum5 será un sistema completamente nuevo que aprovechará tecnología y técnicas de producción de vanguardia para brindar una experiencia de nivel superior en lo que respecta al rendimiento de audio, samples y funciones de reproducción.

“Así como legiones de músicos profesionales y aficionados adoptaron la innovadora ddrum4 hace 20 años, los músicos de hoy se sentirán atraídos por este nuevo lanzamiento de producto: una unidad potente y de alto rendimiento que supera con creces su precio”, cuenta el comunicado oficial de ddrum.

Más detalles sobre el lanzamiento en breve.

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Crédito de foto: Daniel Knighton/Pixel Perfect Images

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Audio

Germán Tarazona, sonidista de Maluma, cuenta cómo encontró el micrófono ideal

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Desde su infancia, compartida entre Barranquilla, Bogotá y Medellín, descubrió la temprana vocación por estar detrás de una consola, hasta su actualidad en el mainstream latinoamericano. 

Germán Tarazona cuenta desde su trabajo para Lennox, Jarabe de Palo, Aterciopelados y Doctor Krapula, entre otras bandas y artistas, hasta las pruebas que lo llevaron a encontrar el micrófono ideal para la voz de Maluma, artista para el cual trabaja actualmente en su gira mundial Don Juan. 

¿Cómo llegaste a trabajar de ingeniero de sonido?

Por pasión y amor profundo por la música. Lo que ocurrió es que yo tengo un familiar cercano que es ingeniero de sonido en Colombia con una gran trayectoria, mi madre siempre me apoyaba cuando era niño, quería estar en los conciertos y montajes con él. Sin duda fue mi ejemplo a seguir en muchos aspectos. Por otro lado tuve bandas en el colegio donde tocaba batería y hasta en algunos conciertos locales en Barranquilla, pero mi inquietud siempre estaba en pensar si sonaba bien, que la gente se llevara un buen concepto de nuestras bandas.

Un legado familiar

Mi primer concierto que recuerdo bien fue a los 11 años, acompañando a mi tío que trabajaba en ese entonces con la renombrada empresa Cesar Vilar. Me dediqué a cargar cables de un lado para otro, preguntar cómo se hacían las cosas. Carlos Vives ese día estaba lanzando el disco “La tierra del olvido” en el Estadio El Campín de Bogotá. Ese día dije: “quiero hacer esto el resto de mi vida ”. Finalmente me quedé dormido al lado de la consola antes que empezara el concierto jaja.

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¿Cuándo se produce el gran salto?

Cuando tenía 15 años, a través de mi familiar me contactaron de una empresa muy importante de Barranquilla, en ese entonces “Dacarette Sound”, para que, en mis tiempos libres, yo pudiera ser asistente en monitores o en cualquier área y así seguir aprendiendo. Ahí participé en trabajos como el Festival de Orquestas, Carnavales, etc.

La decisión tomó forma para mí cuando a los 18 años decidí estudiar ingeniería de sonido. Se lo manifesté a mi madre y para ser honesto a esa altura lo dudé un poco porque era una carrera sumamente nueva en el país, estamos hablando del año 1999/2000, pero yo estaba decidido, así que me fui a Bogotá en el año 2001 a estudiar con la poca experiencia que había recorrido desde los 15 años. Mi sueño era hacer giras y mezclar conciertos.

¿Cómo empezaste ese camino en Bogotá?

Entré en la Universidad de San Buenaventura porque tenían una carrera muy completa, allí tuve grandes profesores como, Mauricio Cano, Javier Martinez, William Romo (QEPD) Pedro Valleta y Juan Carlos Quijano entre otros que me hicieron recorrer los caminos de la producción, amor a la música, a los detalles al mezclar, la electroacústica, el buen gusto en los efectos y la física, pero mi enfoque era el vivo, era lo que me apasionaba. Así que empecé mezclando las bandas de mis compañeros de la universidad, eran reconocidas en la escena local. Recuerdo bien mi primer show fue con 4×4 en un lugar llamado “Macondo” con una consola de 16 canales, luego vendría “Raíz” una banda de rock con la que trabaje y empecé a enfrentarme a festivales y montajes más grandes, por ejemplo “Rock al Parque” en varias ediciones, para mi fueron buenas épocas mezclando punk y hardcore, esos años fueron brutales, los recuerdo mucho.

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Siempre tuviste el norte muy claro.

Exacto. Cuando ya me había hecho un nombre dentro de la escena underground de Bogotá, decidí trabajar con empresas como técnico de audio (People Sound, Soundcheck, Cesar Vilar, 903 Sound), algo importante es que la academia es fantástica, te forma, te da toda las herramientas pero no te da el pase a trabajar con bandas o girar, se necesita experiencia en el campo real, por eso trabajar en compañías locales es una gran idea, nos permite foguearnos, conocer muchos equipos que tal vez en la universidad no tenemos, asistir ingenieros y aprender de diferentes métodos de trabajo.

Fue así como llegué a mi primer mainstream: Doctor Krápula. Una megabanda de ska/reggae que en el 2002 lanzaba su disco Bombea que fue un gran hit, llegue a trabajar con ellos por recomendación de un amigo de la universidad que estaba grabando ese disco junto a Mauricio Cano y Francisco Castro, quien hoy en día es un reconocido ingeniero de grabación y mezcla. Así que mientras terminaba la universidad trabajaba y giraba con ellos.

¿Cuándo se internacionaliza tu trabajo?

Cuando me llaman de una banda de rock llamada Don Tetto. De la mano de ellos conozco a dos personas que hasta el día de hoy son grandes amigos: Alejandro Arias, actual Production Manager para Karol G, y Fabio Acosta, manager de renombrados artistas internacionales. Con Don Tetto viajamos a festivales en Estados Unidos, a México y Centroamérica. Empezar a girar de esta manera me abrió el espectro de mi carrera, de fondo entendí que había que prepararse mucho mejor y tenía mucho camino por recorrer; empecé a conocer muchos colegas de Colombia, México, Argentina, Perú, Puerto Rico, España y Estados Unidos, colegas que seguía desde antes y que ahora puedo llamar amigos, esto me inspira mucho.

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Simultáneamente también giraba con Cali y el Dandee, un dúo de hermanos Colombianos que la reventaron en España y Latinoamérica.

Un punto muy importante en mi carrera es cuando Andres Saavedra (reconocido ingeniero y productor colombiano radicado en los Estados Unidos), me presenta con Pau Dones de Jarabe de Palo y empiezo hacer toda su gira en Estados Unidos y América latina llamada “Somos”. Finalmente un tiempo después me llama de nuevo Alejandro Arias para sumarme al equipo de J Balvin como Ingeniero de Monitores y sin duda alguna esa posición y ese tour dieron un rumbo sólido a mi carrera profesional.

¿Qué te enamoró específicamente de hacer monitores?

Hacer monitores es otro mundo, es una posición de servicio, de atender al artista, a la banda, a los técnicos y todo aquel que tenga que hacer algo en el show, cada persona tiene gustos diferentes y lograr una comunicación sólida con ellos permite sumar muy bien en equipo y a través del monitoreo potencializar su performance.

El siguiente movimiento ocurre cuando me llamó Teo Echeverría, Production Manager en ese entonces de Maluma para hacer monitores para ellos en su gira F.A.M.E que estaba por empezar en Europa.

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¿Cómo abordaste ese reto?

Llegué a un proyecto sumamente estructurado en el 2018. Maluma ya era un artista muy exigente, tenía una responsabilidad muy grande al abordar ese tour. El primer ensayo con el artista fue un éxito, disfrutó mucho la mezcla que le propuse en sus in ears, desde ahí hemos construido una relación de mucho respeto y crecimiento profesional, es un artista que entiende la tecnología, siente cualquier cambio en su mezcla, realmente hay que estar muy atento durante el show. Hice aproximadamente 4 años de monitores y ahora estoy encargado del Front of House con Chris Gratton como Production Manager.

Maluma realmente se prepara mucho para sus giras, son muchas horas de ensayo con la banda, con él, los equipos que implementamos y con la producción total antes del primer concierto, su dedicación y entrega es para dar conciertos de alta calidad. Esta gira “Don Juan” tiene retos que disfruto mucho, por ejemplo la variedad de géneros musicales que tenemos el show y una banda con muchos elementos dirigida por Miguel Márquez “Escobar” de Puerto Rico, esto nos reta como equipo.

¿Qué particularidades tiene el trabajo en vivo con él y qué te demanda?

Yo logré construir con él una línea de comunicación técnica muy profesional, él expresa su visión de cómo quiere sonar tanto en sala como en monitores y ejecutamos lo mejor posible esa idea, le compartimos los pro y los contras y así llegamos a la mejor versión de su requerimiento. Conversamos mucho sobre el uso del micrófono, de ahí que llegamos a trabajar con Sennheiser. Hicimos un tour que se llamaba Papi Juancho, que fue uno de los primeros tours latinoamericanos en EEUU finalizando la pandemia, era un stage 360 y esto generaba una complejidad absoluta, probamos de todo para lograr tener la mejor captura de su voz y la menor captura de ambiente. Fue así como en Sacramento en los ensayos finales para el tour decidió que su cápsula favorita era la Sennheiser MM 445.

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¿Cómo fue el resultado?

Tiempo después de estar utilizando la cápsula añadimos también el transmisor SKM 6000 y su receptor EM 6000 más el command para su comunicación con la producción durante el show, hasta hoy seguimos muy contentos con el resultado de su voz, primero en los In Ears y segundo en Front of House, ahora hicimos un upgrade y estamos con la cápsula Sennheiser MD 9235

¿Cuál es el mayor halago que puedes recibir por tu trabajo?

Es muy gratificante cuando el comentario es “que gran show” eso nos hace brillar en equipo, somos muchas personas detrás de los artistas (iluminación, video, backline, producción, bailarinas, coreógrafos, pyro, seguridad, monitores) haciendo un esfuerzo máximo para que todo salga impecable cada día, así que para mi cuando alguien reconoce el trabajo que hacemos en equipo me parece increíble.

¿Cómo te imaginas en el futuro?

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Ahora tengo una gran emoción por ser parte de Clair Global en su sede principal en Lititz Pennsylvania. Soy el primer colombiano en estar aquí, esto es una responsabilidad muy grande, siento que se vienen años de aprendizaje y crecimiento profesional de la mano de una empresa con un legado único.

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